Lo mejor de esta semana

Nov Dibbuks enero'18


Empezamos el año. Y Dibbuks lo hace con nueva serie: Zorglub (J.L. Munuera).
Pero, no es la única novedad que nos trae...

Enero2018 dibbuks by KoukyouZen on Scribd

Strobe Edge



Un buen shojo es algo que siempre atrae, por algunos títulos que no me llamaron había dejado esta categoría para leerme obras josei/seinen que tenía pendientes. Sin embargo cae en mis manos un tankoubon que me llama la atención por la autora: Io Sakisaka

Esta mangaka había realizado el diseño de personajes de la película "Hal" y tenía interés en ver sus trabajos, mirando que dos obras conocidas estaban en su haber: Ao Haru Ride y Strobe Edge, de este último es el manga del que voy a hablar.

 Strobe Edge nos muestra el mundo de secundaria a través de Ninako Kinoshita, joven estudiante despistada que junto a sus amigas tratan de imaginarse el futuro sentimental mientras idolatran a Ren Ichinose, compañero popular del colegio. Mientras ambos viajan en el tren, Ren accidentalmente choca a Ninako al querer bajar de estación, haciendo que poco a poco se conozcan y viendo una faceta amable que no muestra a casi nadie.

 Lentamente se van haciendo amigos aunque Kinoshita experimenta que realmente se ha enamorado, pero sabe que no será correspondida: Ren tiene novia y para peor es la hermana mayor de Daiki Korenaga, compañero de infancia que siempre estuvo interesado en ella.

Se forma un triángulo amoroso que irá creciendo pues hay varias personajes que están interesados en cada uno de ellos, aportando para formar un "cuarteto" Andou, amigo íntimo de Ren que deja de intentar ligar con cuanta chica se cruce para ir seriamente con la protagonista.

 Si bien la temática parece que fuera el clásico triunvirato que se arma y desarma continuamente, en Strobe Edge las razones de cada personaje están bien definidas, Ninako no es mostrada como una chica débil, acepta tener amistad pero no sale con alguien para olvidar sus sentimientos. Ichinose es mostrado más reservado pero evoluciona con el correr de los tomos.

 Los secundarios pesan mucho y varios tienen historias tristes, deseando encontrarse con alguien que sientan amor hacia su persona, ayudando u obstaculizando a los principales; si bien tienen toques de comedia es más realista que otros títulos románticos.


Amores despechados, traiciones, encuentros desagradables, pero también eventos, reuniones, salidas por azar o trabajo, el conjunto queda natural y no es "forzado", no todos terminan con quienes realmente aman haciendo a Strobe Edge más maduro y original, como la vida misma.

Se reparte el drama, la comedia y el romance en partes iguales, no cansa y los tomos se pasan rápido. Ojo, esto es una apreciación personal, hay mucho clichés que seguro hemos visualizado en otras obras shojo y muchos no tendrán la simpatía que le otorgo a este producto, sin embargo cumple con la función de entretener y la construcción de cada volumen está bien hilvanado.

El resultado es una labor que tiene cosas buenas y malas, la empatía con algún personaje se hace inmediata y tratamos de ver el desarrollo que toman, el camino para buscar la felicidad mientras maduran en los diez tankoubons que componen esta obra; es algo para que hojeen y si les gusta, seguir leyendo; no hay que guiarse por críticas que lo subvaloran o lo ponen como el mejor shojo ya que cada uno aprecia cada título de forma particular. 

El tema de la amistad es tratado en profundidad, hay relaciones que se sabe son eternas y se muestra la verdadera alegría al saber que estás acompañado, Ren es analizado y visto como "superior" por varios que intentar estar con él por su popularidad; galán, buen deportista y gran estudiante, hay celos en varios jóvenes que se sienten intimidados e ignorados por las mujeres que suspiran cuando camina, haciendo que el protagonista se aísle para no ser rechazado por el colegio. En ocasiones saldrán los amigos que aunque disputen el amor de Ninako serán fieles a defenderse de los rumores y comentarios negativos que pululan en los pasillos.

 El dibujo está bien tratado a excepción cuando los hace "Superdeformed", parece que las líneas fueran hechas con su mano no dominante. Los fondos prácticamente son inexistentes poniendo en relieve a los individuos, y el texto que es abundante. Las tramas no exageran, aparecen cuando piensan u observan atentamente a una persona, sin invadir las páginas.

En resumen: Manga shojo que tiene varios estereotipos conocidos pero tratando al amor de forma más natural, personajes carismáticos y un dibujo elegante.

Cantidad justa de tomos para no repetirse y cansar, apetecible si te gusta este género. Nos vemos en otro número.


Nombre original: ストロボ・エッジ (Sutorobo Ejji)
Autora: Io Sakisaka
Categoria: Shojo
Género: romance, escolar, drama
N° de tankoubons: 10
Año de publicación: 2007-2010

Nov Ecc febrero'18


Vuelven... Los Másters del Universo. De la mano de Ecc como novedad de febrero'18:

nov feb'18 ecc by KoukyouZen on Scribd

Se retrasa la serie CGI de Sant Seiya

La serie CGI de Saint Seiya que estaba en producción se estrenará en el 2019, no en este año como estaba estimado. La remake de la clásica obra de Masami Kurumada está anunciado para Netflix, junto a Toei Animation con nuevos diseños de armaduras pero manteniendo la esencia original para las nuevas generaciones.
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Pompoko

A mediados de la década de los 60, Tokio sufre una explosión demográfica que deriva en una expansión sin precedentes de la construcción de viviendas en sus alrededores, para atender a la creciente demanda poblacional. A lo largo de los años siguientes, el verde de las montañas y los prados es sustituido de forma paulatina e inexorable por el gris del cemento. A su vez, aumentan los estragos a la fauna local, que ve cómo su hábitat va desapareciendo. Fiel a su temática habitual sobre la lucha entre el hombre y la naturaleza, Ghibli pone al espectador en la piel de los sufridos tanuki que, ante la destrucción de su hogar, deciden ponerse en pie de guerra para intentar recuperarlo.

    Además del obvio alegato ecologista, Pom Poko también es una aproximación a un interesante elemento de la cultura popular japonesa. El tanuki es un perro mapache (a menudo traducido erróneamente como ‘mapache’ debido a su gran similitud), una especie originaria del Asia Oriental y con una fuerte presencia en el folclore nipón, el cual le atribuye un carácter travieso y afable, además de poderes mágicos que le permiten transformarse en cualquier otra criatura u objeto para divertirse, o tomarle el pelo a los seres humanos. Un aspecto que a menudo es considerado algo desconcertante para las audiencias occidentales, es la desproporcionada representación de sus testículos en relatos o ilustraciones antiguas, que lo mismo usan como proyectiles gigantes para atacar a sus enemigos, que como sacos o mantas para cubrirse a sí mismos. Ghibli no es una excepción y no pierde la oportunidad de aprovechar el potencial dramático y humorístico de dicha singularidad.


    Haciendo uso de sus habilidades adaptativas, los tanuki se ponen manos a la obra para ocasionar sabotajes en la construcción y ahuyentar a los trabajadores con toda clase de estrategias, desde hacerse pasar por monstruos o fantasmas (la galería de ocurrencias cubre prácticamente por completo el catálogo de criaturas sobrenaturales japonesas) hasta ocasionar accidentes mortales que hagan desistir a los humanos de su empeño constructor. De forma inusual a la que Takahata nos tiene acostumbrados, este conflicto parece estar representado de forma ligera y jocosa, alternando por momentos la narración en formato documental y el estilo de una tira cómica. Lejos de despistar, el director se sirve de la complicidad del espectador para forjar el dramatismo de la historia: sabemos que hoy en día Tokio es una de las más impresionantes megalópolis del mundo. Sabemos por lo tanto que la heroica gesta de nuestros protagonistas está abocada al fracaso y no podemos hacer nada más que compartir su pesar al verles ser derrotados una y otra vez después de cada operación que, como mucho, logra retrasar un poco lo inevitable. 

    De esta forma, la atmósfera alegre y caricaturesca va adquiriendo de forma progresiva un tono más triste en la medida que avanza la trama y retrocede el hábitat natural. Y es que no sería una película de Takahata si no se las ingeniara para incomodar al personal sin necesidad de recurrir a la provocación explícita. El espectador se ve en la tesitura de empatizar con trágicos héroes para los cuales la humanidad es su mayor antagonista: los villanos de la historia somos nosotros. Y como villanos que somos, podemos llegar a entender que estas pobres criaturas no duden en acudir a la violencia y el terrorismo para lograr combatirnos y en última instancia, erradicarnos. Sin embargo esto no debe ser comprendido como un tic misantrópico por parte del veterano director sino como un merecido tirón de orejas a nuestra consciencia colectiva.

Visto lo visto, 22 años después de su estreno, parece que nos sigue haciendo falta. 

Ficha Técnica


Nombre Original: Heisei Tanuki Gassen Ponpoko

Director: Isao Takahata

Estudio: Ghibli

Año: 1994

Género: Drama

Categoría: Para todos los públicos

Cine freak salvaje: Matinée


 
 —¿No vale sólo con bajar la persiana? — Me dice ZombieD, y yo niego con la cabeza. Por una vez, tiíto Creepy me apoya y asiente con la cabeza para darme la razón.

     —Hay que bajarlas, pero del todo, que tapen también las rendijas de luz. — Contesto. — Y luego, echar también las cortinas. 

     —Es un pena no tener contraventanas, para esto sería lo ideal — sugiere el tiíto. 

    —Sí, es la pena de vivir en la planta baja, sólo las habitaciones superiores tienen contraventanas. — Dice mi novio, bajando todas las persianas mientras el tiíto Creepy echa todas las cortinas y yo voy poniendo la película. Vamos a hacer sesión matinal de cine y para eso, se precisa que la habitación esté por completo a oscuras. No hace mucho, también los cines hacían sesiones matinales de cine, ideales para ver antes de la comida, hasta que la escasa afluencia de espectadores acabó con estos espectáculos. Y vamos a hablar precisamente de una de esas sesiones matinales de cine. Hoy, en Cine Freak Salvaje: Matinée. 


   
 La sala del cine. Templo sagrado a la vez de diversión, entretenimiento y cultura, frecuentada por todo tipo de fauna humana, desde grandes cinéfilos y críticos de cine, hasta aficionados al mero entretenimiento, pasando por parejitas que sólo buscan un sitio cómodo y oscuro, quizá no para ver una película pero sí para pasar un rato de cine. Desde su nacimiento a finales del siglo XIX, los cines no han dejado de proporcionar dividendos y recibir público, por más que en las últimas épocas, debido -según las productoras- a la piratería y debido también -según el público- a los precios exorbitantes del cine, a la cada vez menor educación del resto de espectadores y al aumento vergonzoso de la publicidad, hayan tenido algunos baches económicos. No obstante, por más que este pueda haber sido el bache más hondo del cine, no ha sido el único en su historia. 

     Ya en los años noventa se pronosticó la muerte del cine debido a la proliferación de los canales televisivos de pago y a la televisión por cable. En la década anterior, los ochenta, fueron los videoclubes los que hicieron pronosticar la muerte del cine (aunque en realidad, se convirtió en el mejor aliado del consumo de cine, como puede atestiguar la extinta productora Cannon). Y si retrocedemos aún más en el tiempo, ya la llegada del cine sonoro en el decenio de los treinta, iba a matar al cine. Vamos, que a poco que investiguemos, veremos que han estado prediciendo la muerte del cine, casi desde que éste nació. No obstante, la cinta que nos ocupa nos habla no sólo de la hipotética muerte del cine, sino de la hipotética muerte de... todo.  

     La cinta nos traslada a la década de los sesenta, y a una familia que vive en una base militar debido a
la profesión del cabeza de familia. A través de los ojos del hijo mayor, apenas un adolescente, vemos la desolación de su mundo privado, carente de amigos debido al sinnúmero de mudanzas a las que ha tenido que enfrentarse durante su corta vida. Debido a ello, no cuenta con más compañero que su hermano pequeño, cuya diferencia de edad es mayor de lo deseable, lo que le hace una buena víctima propiciatoria para asustarle con historias de monstruos y fantasmas que todavía se cree, pero inútil para compartir los propios miedos que, a su vez, sufre el protagonista. Para intentar paliarlos y sentir que tiene amigos, ha adoptado como tales a los grandes héroes del cine de terror de la época, como el tío Vincent Price, Peter Cushing, Bela Lugosi... Cuando llega el estreno de la última película de productor de cine de terror Laurence Woolsey (un grandísimo, y no hablo sólo de su tamaño, John Goodman), "Mant" y el muchacho se entera de que el propio productor estará presente en el estreno, aparcará por unos momentos sus propias preocupaciones para centrar toda su atención en el estreno. 


   La película nos traslada a la crisis de los misiles provocada entre los Estados Unidos y Cuba en 1962. En aquél año, se descubrieron en Cuba misiles de largo y medio alcance, al parecer proporcionados por la antigua URSS, y que podían alcanzar territorio norteamericano como quien tira arroz con un BIC. Entonces, no era como ahora, que eso de las guerras nos suena a algo que sucede siempre muy lejos; en aquél momento hacía relativamente poco que había terminado la Segunda Guerra Mundial, que había dejado nada menos que cincuenta millones de muertos. La amenaza de una posible "tercera guerra mundial" se tomaba muy en serio, y en aquél clima de inseguridad, indefensión y terror, hicieron su agosto los vendedores de búnkeres en los que refugiarse para sobrevivir a la radiación de una hipotética bomba atómica. Las películas que hablaron de los peligros de la energía nuclear y la radiación no fueron escasas y, aunque la mayoría fueron baratitas y pura serie B, ahí quedaron como recuerdo del miedo de todo un planeta; La mosca o ¡Tarántula! fueron algunas de las más representativas. 

John Goodman, encarnando al productor Laurence Woolsey, nos muestra a aquéllos hombres de cine,
no necesariamente del gran cine, pero sí del espectáculo, que estuvieron dispuestos a explotar el miedo de la población dándoles algo estupendo a lo que tener miedo en lugar de a la realidad pura y dura. Ofreciendo un espectáculo que realmente les aterrara y mantuviera en tensión, y utilizando para ello no sólo los recursos disponibles dentro de la pantalla, sino también fuera de ella. En su caso, un prodigio conocido como "El Retumbarama", parodia de otros inventos efectistas similares, como el Cinerama (que utilizaba tres pantallas para dar la sensación de envolver al espectador y que éste se sintiese "dentro" de la película), o la proyección en 3D que entonces ya se conocía. En su papel, John Candy nos muestra a un hombre de imaginación desbordante y gran deseo de innovar, y en todo orientado para hacer pasar miedo y sorprender al espectador. 

 Las películas que hablan del propio cine siempre tienen un romanticismo especial. Cintas como Cinema Paradiso o, en clave de humor, El Guateque, nos hablan del mundo interior del cine y nos muestran desde dentro los trucos y tratos del oficio. Desde su peculiar perspectiva, Matinée hace lo mismo y se convierte en el film más personal de Joe Dante, que nos lleva a sus propias vivencias y miedos durante la crisis de los misiles y sus primeros coqueteos con el cine, a través de las cintas de terror de serie B y sus héroes del mismo. 

  Matinée es una película divertida y desenfadada, que nos cuenta cómo la sociedad se enfrentaba a sus miedos reales a través de otros imaginarios, y nos muestra las poco fiables, y aún así obligatorias, precauciones que se animaba a la población a adoptar, aunque sólo fuera para mantenerla ocupada y que no estallase el pánico. Una cinta que nos muestra el espectáculo que se deseaba mantener en el cine, y que más tarde fue adoptado por los parques de atracciones, a la vez que el despertar de toda una generación en la primera desconfianza hacia sus padres y, por extensión, hacia el gobierno y el orden establecido. Es una película tolerada, fácil de ver, entretenida y divertida, aunque puede hacerse algo pesada si no te gusta el imaginario de los años sesenta. Cinefiliabilidad 3, lo que significa que es fácil de ver, pero más "entretenida" que "divertida" propiamente dicha.


En blanco y negro, todo parece más serio de lo que es.


    "No existen los accidentes". Si no coges esta frase, tienes que ver más cine. 

Corona de flores

Mencionar a Chiho Saito es siempre recordar a "Utena, la chica revolucionaria", pero esta no es la única obra de la mangaka, con anterioridad ya había plasmado otros títulos con mujeres para nada convencionales: el shojo no era solamente romance y una damisela en apuros, las mujeres tomaban las riendas y seguían lo que dictaban sus deseo sin importar la opinión social ni lo preestablecido.

Con "Corona de flores" la autora sigue en este rumbo, marcando una época terrible: la Italia de los Borgia y los intentos por mantener el liderazgo en la cuna de la Iglesia y la política.

 La noche de bodas de Leonora, casamiento forzado por conveniencia, descubre su imagen exactamente calcada en un cuadro de Leonardo Da Vinci. Su sorpresa es mayor al conocer una leyenda: la obra posee el secreto para hallar la Espada Divina y conquistar Italia. Ahora tiene un objetivo: averiguar porqué está su rostro en el cuadro y cambiar su destino, para ello debe encontrar al Maestro...

Tiñéndose el pelo y manejando la espada a la perfección, conocerá a varias figuras históricas (incluyendo a un joven pintor llamado Raphael) que pululan en los distintos reinos fragmentados del país, mientras César Borgia instala su ejército y con mano dura desea unificar toda Italia bajo el miedo.

 Intrigas políticas y sucesos reales son mostrados bajo el lápiz de Chio Saito, atractivos personajes que existieron en pleno siglo XV en la cuna del poder, con la guerra de fondo entre los países vecinos y la creciente intriga dentro del Vaticano para usurpar los altos cargos. El retrato de Cesar Borgia es espectacular: frio, soberbio y seguro que su poder es enclenque pues su padre tiene muchos enemigos, usa el tiempo con sabiduría para intentar ser rey a la brevedad.

 El Papa Alejandro VI no está muy bien representado: mujeriego y glotón no expone su personalidad oscura e intrigante, más bien pareciera una caricatura. Su poder real fue tal que muchas leyes eran temidas y aborrecidas, dependiendo toda la familia Borgia de su estadía en el poder. Leonardo Da Vinci es mostrado como Maestro y científico, y ayudante de mejorar el poderío militar, cosa que efectivamente realizó durante poco tiempo bajo el ala de los Borgia, siguiendo en el futuro otras invenciones y pinturas famosas.

 El romance no se hace esperar y aquí tenemos a un nuevo personaje: Falco, príncipe de Nápoles y con una enemistad manifiesta hacia el proceder de César Borgia, teniendo el clásico trio amoroso: Leonora-Falco-César, y hallando peleas constantes por motivos diferentes. De todas las obras que he leído de esta mangaka, "Corona de flores" muestra la crudeza de esos años conflictivos, las continuas guerras civiles, los grupos delictivos que eran comunes y el otro lado: la opulencia de quienes ostentaban el frágil poder que iba de mano en mano. España, Francia, Inglaterra e Italia se disputaban trozos de tierra más como capricho de la realeza, quienes mezclaban políticamente alianzas a través de continuos matrimonios entre los príncipes, muchos de los cuales ya intuían un futuro pactado según las conveniencias del momento.

Hijos bastardos, hermanos incestuosos, ancianos depravados y amantes ocasionales pululan cerca de las esferas de gobierno esperando un porvenir majestuoso.


Mencionar a los Borgia viene asociado con el (supuesto) veneno que utilizaban para ultimar a muchas de sus víctimas de forma rápida: la Cantarella, inodoro, insípido y letal en pocas horas, acá tiene acción en algunas páginas.

 Los vestidos del Renacimiento son una de las cosas que más disfrutó Chiho Saito: capas, chalecos, vestidos, mantos, cuellos ornamentados, vestuarios finos y delicados son parte de los trazos que los personajes portan en los siete tankoubons.

Si se le perdonan las falencias en cuanto a ciertos pasajes históricos, es una obra disfrutable, quizás un poco larga pero sin llegar a ponerse denso.

Lo mejor: El dibujo, los momentos donde Leonardo Da Vinci hace su aparición.

Lo peor: Se repite un poco la autora con la actitud de las protagonistas.

Ficha Técnica


Nombre original: Kakan no Madonna
Categoría: Shojo
Género: drama, Renacimiento, acción
Autora: Chiho Saito
N° de tomos: 7 tankoubons
Año: 1993

Ran y el mundo gris

En ocasiones encontramos obras de difícil clasificación según nuestros estándares oficiales. Y decir eso de un manga, viniendo del país donde gustan de darle etiqueta a casi todo, es mucho decir.

Ran y el mundo gris (Ran to haiiro no sekai) es una obra transversal que toca varios puntos de géneros clásicos. Principalmente vemos la historia de la pequeña Ran, la hija de diez años de Shizuka, una poderosa hechicera, y Zen, el líder de los Blackwing Corps, una suerte de guardias/cuervos que protegen a las hechiceras, junto con su hermano mayor Jin que, con su poder de convertirse en lobo, ayuda a proteger a su hermanita.

Ran ha heredado los poderes mágicos de su madre, pero es muy pequeña y aún no sabe controlarlos. Nuestra protagonista tiene un par de deportivas que le van varios números grandes y cuando se las pone crece 10 años de golpe. Es así como en una de sus peripecias mágicas aterriza en el jardín de Ôtarô, un hombre de unos 30 años que se enamorará de ella. 

Quisiera aquí hacer una pausa transcendental para recordaros que aunque se transforme, Ran sigue teniendo 10 años y que todavía va al colegio. Y como niña que va todavía al cole, me sirve para presentaros el último personaje importante en discordia, su amigo/enemigo Hibi, que siguiendo la máxima de “los que se pelean se desean”, Hibi le hará la puñeta a nuestra Ran hasta que se hagan amigos. Es entonces cuando él jugará, en medio de esa relación, un papel importante en el desarrollo final de la trama.

Dejando a un lado el tema de la relación Ran / Ôtarô, casi la trama principal, hay otra que transcurre paralela: la de unos bichitos del demonio (también llamados insectos o mushi) que… es mejor que os lo leáis, ya que corro serio riesgo de spoiler.

Ran y el mundo gris es un manga recopilado en 7 tomos, realizado por Aki Irie y publicado en su origen en Japón el año 2008 por la editorial Enterbrain. En España su publicación corre a cargo de Tomodomo, de la cual podemos ya disfrutar de sus primeros tomos en nuestras librerías (a fecha de junio del 2017), es una edición igual a la japonesa, con una cuidada traducción, tal como la editorial nos tiene acostumbrados.

Si la historia nos recuerda a mangas de magia como Cardcaptor Sakura o La magia de Emi, aunque con un puntito más adulto, lo que más llama la atención de esta obra es la ilustración. Preciosista, llena de detalles, con unos personajes definidos con sus propios detallitos, con mujeres hermosas y voluptuosas pero sin caer en la vulgaridad de otras obras. La composición de las páginas y el uso de las viñetas favorece ese virtuosismo preciosista del cual hace gala sensei Irie, en donde consigue que algunas viñetas casi parezcan salidas de un artbook.

Ran y el mundo gris es uno de los manga revelación de este 2017 para la que suscribe: no había oído hablar de él y lo cogí en la librería simplemente por la portada me llamó la atención. Sólo os pido que si os gustan las historias de amor con fantasía y con dibujos muy bien hechos, le deis la oportunidad.


Ficha Técnica


Nombre original: Ran to haiiro no sekai (乱と灰色の世界)

Autora: Aki Irie

Editorial japonesa: Enterbrain (2008)

Editorial española: Tomodomo 2017

Tomos: 7

Género: josei

Nowevolution inaugura el sello Kigen con 4 licencias yaoi


La editorial Nowevolution anuncia en sus redes sociales la llegada de un nuevo sello, Kigen, bajo el que publicará 4 nuevas licencias BL:

Yuuutsu na asa
Traducido como Blue Morning. De momento consta de 8 volúmenes (abierta); Shoko Hidaka empezó a serializarla en la Chara Selection (Tokuma Shoten) en 2009.
"Una serie que os dejará con el alma en vilo, la aristocracia japonesa de principios del siglo XX al servicio de las bajas pasiones, el aprendizaje de un chico que deberá enfrentar sus sentimientos a su deber como heredero de una familia noble".

Mitsumei
De Erena Kato y Eko Totsuki, este drama yaoi fue serializado también en la Chara (Tokuma Shoten) en 2014 y finalizó con un tomo único.
Una misión pone en riesgo el destino de dos hombres, dos amigos de juventud que se encuentran en bandos opuestos, y un amor, nada conveniente, para las órdenes que tienen encomendadas

Mujintou ni motteikunara
Otro yaoi firmado por Yamada2chome que se serializó en la Chara (Tokuma shoten) en 2015, con un tomo único y cuyo título traducido será Si me llevaras a una isla desierta…
Una amistad de juventud que se paró con un desafortunado accidente, un amor no confesado, y ahora, se te presenta de golpe y sin avisar. ¿Existen las segundas oportunidades?

Otro tomo único a cargo de Hideyoshico que estuvo serializado en la Chara (Tokuma Shoten) en 2013.
Bajo el título en castellano de El caballero y el sádico, narra varias historias de tinte yaoi.
Las sorpresas llegan sin avisar, y es que nunca te imaginarías quién se te acaba de declarar, y ¡menudo personaje!

La editorial Nowevolution empezó apostando por el yaoi con el título No te Escondas (Dorianne) en 2008 y han considerado que tras una década, es una gran idea seguir apostando por un género que está en auge.
Se anunciarán más títulos el próximo año.

Kuro, Koi ni mo Naranai y Umi no Cradle licencias de Milky Way


Aún con resaca de las Navidades y Milky Way anuncia tres títulos que formarán parte de su catálogo el próximo 2018:

Kuro
Un slide of life de Somato que se serializó en las revistas Aoharu y Tonari no Young Jump (ambas de Sueisha) en 2013.
Tres tomos que nos narran la vida de una niña llamada Coco que vive sola en una enorme mansión junto a un gato negro que responde al nombre de Kuro. Un día a día supuestamente divertido pero bajo el que subyace algo inquietante. ¡Una adorable pero extraña rutina que se presenta con todas las páginas a color de la serialización original!.

Koi ni mo Naranai
Un one-shot de Hagi serializado en la revista Ciel (de Kadokawa Shoten) en 2016. Drama de género shônen ai que nos habla de Bûta, el travieso gato de Tajima, que es el responsable de la muerte del pez dorado que Kouga tiene como mascota. Tajima se esfuerza en encontrar una manera de disculparse con Kouga, quien se muestra sumamente dolido, y en el proceso, descubre, sin querer, su secreto...

Umi no Cradle
Mei Nagano es la artífice de esta historia de gender bender. Serializada en 2013 en la revista Comic @ Bunch ( de Shinchosha), consta de 4 tomos y está ambiantada en la Revolución Industrial:
Revolución industrial inglesa. Monica, una chica que siempre ha vivido en los suburbios, es contratada para trabajar como criada en una mansión y cuidar al pequeño Evan. Un día, el señor de la casa desaparece tras hacerse a la mar y Monica debe abandonar la mansión y regresar a su aciago hogar. Un año más tarde, Monica visita la tumba de su antiguo señor y se encuentra a Evan y un ataúd vacío. Convencida de que el padre del pobre niño sigue vivo, Monica decide ayudarlo a encontrarle y suben juntos a un barco de vapor...

Felices fiestas les desea Koukyou Zen

Que en estas fiestas se vayan cumpliendo nuestros buenos deseos, compartiéndolos junto a la gente que queramos, y seguir disfrutando de un delicioso anime, incorporar mangas en nuestra biblioteca, un libro de nuestra afición y pensando que se acerca el 2018, que seguro será mejor.
Desde todo el reparto de Koukyou Zen, les deseamos buenos augurios, feliz Navidad.

Reseña anime: Hacia la Tierra

Hacia la Tierra
Título original: 地球へ… / Terra E...
Autora: Keiko Takemiya
Categoría: shonen
Género: ciencia ficción, psicológico
Año: 1980 Duración: 112 minutos

 En el futuro la Humanidad logró llegar al cénit de la podredumbre: el clima de la Tierra se ha vuelto mortal por la contaminación, y las guerras no tienen fin. No quedaba más que emigrar hacia otros sistemas pero sin repetir los errores, para ello se dejó que toda decisión quedara en manos de un SuperOrdenador (Madre) que fijara límites y mantuviera un orden.

A la vez empiezan a nacer individuos con extraños poderes psíquicos (asignados "Mu") que son eliminados debido al temor y la ignorancia. Para descartar el gen Mu a todo ñiño se le hace un examen en su ADN a los 14 años, edad recomendada para ser llamados adultos, aunque en la práctica se les realiza un lavado de cerebro para convertirlos en mayores funcionales al entorno, con una ocupación acorde a sus habilidades y sin problemas de rebelión, algo impensable en Ataraxia, lugar donde se concentra la mayor parte de la raza humana.
Fallando el exámen, el protagonista Jomy Marquis es sentenciado a la muerte siendo rescatado por Blue, un soldado con la mutación MU que le explicá el porqué de las guerras, la persecución, el odio entre distintas razas y el anhelo de todos: regresar al planeta originario...la Tierra.

Con el objetivo de ver la fuente de la vida, Jomy junto a los Mu, los humanos "reseteados" del futuro y Madre como supremo jefe, la Humanidad ¿estará lista para regenerar el planeta y vivir nuevamente en él?

  ¡No tengo el gen Mu! ¡No soy un demonio! 

 Tanto en el manga como en la película de 1980 la telepatía es el "don" más visible que utilizan los Mu para comunicarse, la autora no ahorra detalles para mostrarla crudeza, la esclavitud disfrazada de bienestar, y el exterminio de todo lo diferente. A mediados de 1970 el género de la ciencia ficción estaba en su apogeo, sin embargo pocas mangakas tenían el valor para romper con lo establecido dentro de la industria; Keiko Takemiya estaba dentro del grupo de las pioneras, introduciendo nuevos matices tanto en el shojo como en el shonen, crueldad, diálogos con contenido y hasta escenas subidas de tono (desde shonen-ai hasta yaoi) entre igual género, algo inpensable por esos años para una mujer; estos géneros no son tratados aquí pero sí en otros títulos de Takemiya.

Esta mangaka fue pionera de varias subgéneros, amante de todo lo histórico y josei, y si bien posee algín título con comedia se destaca en el campo del shojo dramático, y un detalle no menor: pertenece al "grupo del 24" (24nen-gumi), estas son dibujantes nacidas alrededor del año 24 período Showa (1949).

¿Qué significa? Las jóvenes realizaron un amplio cambio al estilo estructurado, demostrando que no sólo sabían dibujar shojos románticos (que era lo que se esperaba) sino que dominaban el arte de introducir nuevas temáticas: desde cat-girls hasta la Revolución francesa, desde la Rusia de los zares hasta los suicidios por incesto.

 Temblor cultural que hizo eco en muchas autoras famosas que se consagraron años después. Decir que le fue bien a Keiko en su país natal es poco: ganó varios premios, la crítica nipona la consagró y sus anteriores obras eran reeditadas; luego de los 5 tankoubons vino la película y en el 2007 una serie de 24 episodios con un dibujo más actual pero manteniendo la esencia del mensaje.

  "Las máquinas no se arrepienten de nada..." 

 Volviendo a "Hacia la Tierra" contar sin spoilear es difícil, solo basta decir que la Humanidad logró evolucionar hacia los Mu, poderes sorprendentes que pueden ser usados para ayudar o destruir. Pero la tecnología depositada por los mismos humanos en un ordenador con inteligencia artiificial los tacha de "peligrosos", demonios que erradicados dejarán que la gente viva pacíficamente.

Con una dictadura post-espacial, todo es controlado salvo los que pueden escapar antes del "exámen de ingreso a la adultez", asi hallamos a los MU, a varios humanos normales, a otros bajo el dominio de Madre y a Keith Anyan, un superhumano sin la mutación pero decidido a arrasar con sus tropas alos poseedores del factor genético defectuoso.

  "Quiero volver a la Tierra, quiero regenerar el suelo..."

 El dibujo del manga tiene grandes referencias a Tezuka, no así en la película con claras reminiscencias a Leji Matsumoto (que también estaba en su época de oro), la serie tardaría un cuarto de siglo y vendría con estética nueva, más colores y un ambiente menos opresivo, dejando el azul-negro del espacio por otros tonos menos agresivos, siendo entendible ya que un ambiente lúgubre durante los 24 episodios puede llegar a ser tedioso para el televidente. Los trazos de diseños vienen a cargo de Nobuteru Yuki (Vision of Escaflowne).

En resumen: Excelente obra con un mensaje de libertad, sea físico, de pensamiento, universal en cada rama viviente de la humanidad. Llamado de atención hacia donde vamos si no controlamos los recursos. Oda a la vida, a la aceptación.

Muchas bajas en ambos bandos, la emoción por llegar a destino.

Lo mejor: el manga, fuerte para la época.
Lo peor: A excepción de la película de los 80 y la serie, el manga es difícil de conseguir, en internet está en inglés.

Pájaro Indiano

La llamada Guerra de Cuba que tuvo lugar a mediados/finales del siglo XIX, dio origen a las Habaneras, cánticos que se hicieron populares en las tabernas, donde se mostraba la añoranza, amor/desamor...
El meu Avi es una de las habaneras catalanas más conocidas y sirve de llamémoslo "excusa" para iniciar esta obra inspirada tanto por la melodía en sí, como por los parajes de la costa catalana.

El millor barco de guerra de la flota d´ultramar
Bernat ve cómo sus podres se embarcan hacia Cuba, buscando prosperirad y se queda al cargo de su abuela.
Ella le cuenta que hay un sitio en el cap de Creus en el que podría convertirse en un pájaro y volar con sus progenitores. Bernat crece con la idea de llegar allí y acompañado de su perro Lack, va en busca del lugar.
Un día de lluvia se cobija en una cabaña y conoce a Gala; ambos tienen algo que buscar y muchos miedos.

Vàren morir a coberta, vàren morir a peu de canó

¿Qué podemos decir de Belén Ortega que no se haya dicho ya?.
Granadina con fuerte influencia manga (culpa de Rouroni Kenshin) que se estrenó en serio con la obra Himawari editada por Glénat/EDT y que acaba de reeditar Planeta.
Tras su debaneo con el manga, un artbook publicado por Ominiky y la obra que nos ocupa, Pájaro Indiano, su estilo ha hecho que sucumbieran a sus encantos gráficos los entendidos de la BD. Tras el cómic sobre el piloto Marc Márquez: La historia de un sueño y coger el testigo de Josep Homs en Millenium, la granadina afila lápices para seguir dejándonos boquiabiertos y merece especial mención su portada alternativa de La Espada Del Inmortal, aprobada por Japón y con la colaboración del autor Hiroaki Samura.
Sus lápices son espectaculares, con un estilo realista muy marcado y ha ganado en movilidad y secuencias. Me gustaría destacar que en este tomo, ha experimentado con el color y las texturas, cosa que se agradece, sin embargo, tal vez para crear la atmósfera de aquellos años, se me ha antojado un poco opaco y ha conseguido entristecerme (espero que fuera esa la intención).
Las referencias usadas, son fácilmente identificables, tal como ella expone en las páginas finales, donde no faltan fotos de la época ni los personajes en los que se ha inspirado.

Quan el català sortia a la mar, els nois de Calella feien un cremat

Tomando como base la famosa habanera, este cómic no va de tristezas, va de sueños. Concretamente de perseguir y alcanzar sueños.
A través del cuento que le explica su abuela, le da algo a lo que aferrarse ya que ella no vivirá mucho tiempo; fueron tiempos de incertidumbre y queda plasmado a la perfección las influencias de los dimes y diretes que podían hundir la reputación de cualquiera sin ninguna prueba fehaciente (como ocurre con el personaje de Gala, donde el pueblo da por buena la versión popular...) y donde se juzga a diestro y siniestro (como hoy en día, vamos).
En los agradecimientos, Belén habla de Eli Basanta y Lelia Álvarez, que la ayudaron con el color. Sé que quizás me repito, pero es una gama muy oscura, unos colores poco nítidos que eso sí, recrean una tristeza a lo largo de toda la historia y dejan de percibirse como un personaje más.
A medida que la historia avanza y vamos viendo como Bernat dibuja pájaros de toda índole y sus descripciones de sus cualidades, nos vamos adentrando en la mente del protagonista hasta el punto de entender que quiera ser un pájaro y que Gala se plantee serlo también.
Admirar el arte de Belén siempre es un placer y una lección y si la historia es intimista y tan cercana, placer doble... Por cierto, esos tiempos no parecen hoy tan lejanos, ¿verdad?

Ficha Técnica:

Nombre Original: Pájaro Indiano

Autor: Belén Ortega

Género: Aventuras

Año de publicación:2015

Editorial: Norma

Nov Ecc febrero'18


Tras Navidad vendrán Los Reyes... Y Ecc tiene para todos.
Novedades para principios de 2018, con la vuelta de los Relatos Terroríficos de Junji Ito o Noches Oscuras:Metal de S. Snyder y G. Capullo:

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Más invitados a la Heroes Con Valencia'18


Se va acercando el momento... Y os recordamos que las entradas ya están a la venta, luego no lloréis.
La Heroes Comic Con Valencia anuncia cuatro nuevos invitados:

Paco Roca (Arrugas), el multipremiado autor no podía faltar a un evento de esta índole y menos en su tierra natal.
Manel Gimeno (colaborador de la revista Camacuc y coautor de Historia del Tebeo Valenciano) que aportará su experiencia en los diversos ámbitos en los que ha trabajado: guionista, dibujante, historiador y divulgador de cómic.

Gerard Miquel (Yo fui guía en el infierno); amplia trayectoria en el panorama de la ilustración cuyo auge en los años 90 le lleva a colaborar con varias revistas. Su cómic sobre los íberos realizado para el Museo de la Prehistòria de València y la novela gráfica Yo fui guía en el infierno son su carta de presentación de este año a punto de finalizar.
Carlos Maiques (Enfermo); todoterreno que ha publicado en diversas editoriales obras de distinta temática. Colabora con la asociación cultural Plutón y ha expuesto sus obras en varias galerías.

Os recordamos que el evento tendrá lugar del 23 al 25 de febrero'18 en La Feria Valencia

La Heroes Comic Con Valencia tendrá los premios José Sanchis Grau


Si en el evento de Madrid se optó por homenajear a Calos Giménez (Paracuellos), en el próximo que tendrá ugar en Valencia han optado por José Sanchís Grau.
El historietista valenciano creador de Pumby o Robin Robot, falleció en 2011.

Nota de prensa:
tenemos el placer de presentaros los I Premios José Sanchis Grau que serán otorgados durante la celebración de Heroes Comic Con Valencia. La elección de este nombre supone un merecido homenaje a una de las grandes figuras de la Escuela Valenciana de cómic, y en definitiva un homenaje a la historieta española.
José Sanchis Grau (Valencia, 1932-2011) será recordado por todos como el creador del gatito Pumby. Inspirado en los dibujos animados de Walt Disney y los Estudios Moro, Sanchis creó un universo particular de animales antropomorfos liderados por el gato Pumby, firmando así algunos de los episodios más brillantes de la historieta española. Trabajador incansable, creó -además de Pumby- personajes como Gaspar, Benjamín y su pandilla, El capitán Mostachete o El soldado Pepe, hasta llegar a Robin Robot.


Podrán optar todas las obras publicadas entre el 1 y 31 de diciembre de 2017 en toda Europa. Se darán a conocer los nominados a principio de 2018, mucha suerte a todos.
Os recordamos que el evento tendrá lugar del 23 al 25 de febrero en el pabellón 7 de Feria València y que las entradas ya están a la venta.

Islamundo: Midalia

Islamundo: Midalia es la primera parte de dos de ese mundo que imaginaron Dapz y Jotade que os dejo a vuestra elección si se acerca más el sueño perfecto o la pesadilla más tenebrosa...

Una diosa llamada Midalia (¿tendrá algo que ver con la estación australiana?), un rito casi prohibido (que no pueden desfogarse sexualmente cuando quieren..) y una isla llena de particularidades. Bienvenidos a Islamundo

La búsqueda de algo/alguien para ofrecer como sacrificio a la diosa Midalia es el principio de la tragedia. La aldea es destruida, los fócopus campan a sus anchas y todo y nada parece tener sentido. ¿Por dónde empezamos?.

Cuando David Pérez Gutiérrez, Dapz se decidió a llevar a cabo su proyecto en 2012, quizás fuera el único que tuviera claro el desenlace; en su cabeza todo tenía sentido, pero hizo falta que se aliara con Jesús Daniel Fernández Roldán, Jotadé, quien se haría cargo de la historia cuyo legendarium llevaba tantos años desarrollándose.
. Con un dibujo muy cartoon con reminiscencias "bayarriescas" (no en vano Jordi Bayarri es uno de los participantes en la galería de fanarts final) al que parecen darle miedo los negros (hablamos de tinta, no seáis mal pensados) y cuyos fondos son prácticamente inexistentes, su punto fuerte son todos y cada uno de los personajes, creados con mimo y salpicados con grandes dosis de humor.

Una primera parte que hace muy participativo al lector; de hecho, si no se fija uno bien, no sabe por dónde van los tiros, qué es lo que buscan, qué pasa.
Un batiburrillo de viñetas al inicio que no sabe uno cómo coger, así que la imaginación juega un papel muy importante: la de los autores y la nuestra, que hilada a esos pequeños detalles en los que hay que fijarse, hilvanan la historia.
Me gustaría destacar la parte narrativa, sencilla pero muy eficaz y los "bichos" que pueblan las páginas, en las que casi diría que vislumbro algún homenaje al Krazy Cat de George Herriman, tanto en concepto como en diseño, así como a los susuwatari de Mi vecino Totoro (dirigida por Hayao Miyazaki ytraducido como algo negro y oscuro) y que forman parte del universo más que creativo de Islamundo.
Lectura entretenida para pasar un buen rato.

Ficha Técnica:

Nombre Original: Islamundo

Autor: Dapz/Jotadé

Género: Aventuras

Año:2017

Nº Tomos: 2

Editorial: Crowfunding/ NEUH

Koukyou Zen 62

Este es un número especial en femenino.

Porque la poca visibilidad es flagrante y hay autoras en todos los ámbitos, va dedicado a ellas. A nosotras.

Nuestra portadista es Nana Bid, de la que esperamos grandes cosas más allá de sus fanzines que os invitamos a descubrir.

Esperamos que este año 2018 que está a punto de empezar, las mujeres no tengan que oír la típica pregunta «¿Y cómo te va en un mundo de hombres?». Que sean tratadas como iguales, que no existan exposiciones de "mujeres en el cómic", ni premios a la mejor autora femenina.

Son autores. Porque se decidió que el plural fuera en masculino. Dibujan, guionizan, dirigen y colorean igual que sus homónimos masculinos, no hace falta que se haga incapié en que son mujeres. El género sexual no dicta las normas ni el estilo.

Va por ellas.

Felices fiestas y feliz año de normalización.

Gracias a la portadista Nana Bid, a las entrevistadas Sarah Torelli, Henar Torinos y Carmen Carnero y os invitamos a descubrir a Banana Yoshimoto. Guionistas, dibujantes, escritoras y directoras. No existe un patrón femenino: existe el talento.
Puedes leernos en:

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